KAREL ZEMAN

INSPIRACIÓN- INSPIRACE de Karel Zeman 1948

Les presento una obra maestra de la animación del más grande director del género. Deseo que tras verlo las musas se aparezcan a vuestro lado y os inspiren adecuadamente. Antes de verla, tengan en cuenta que estas imágenes se montaron hace más de 60 años, pero aún conservan la frescura e inocencia de otros tiempos. 

En este corto surge el Zeman más inconformista y experimental. El realizador crea un ballet protagonizado por las figuras de cristal hinchado Colombina y Arlequín. Aún hoy es reconocido como uno de los trabajos más bellos de la historia de la animación. "Inspiración" es el resultado de una magia extraordinaria, refleja un mundo frágil, un entorno cristalino en el que se pone de manifiesto la capacidad experimental del realizador y su interés por la diversidad de materiales a la hora de insuflar vida cinematográfica a objetos inanimados.

Sutileza, cristales de colores, transparencias, candor, belleza e imaginación, eso es lo que pueden sentir si le dedican unos minutos a esta obra de arte. La lluvia desgarra el cristal de la ventana, al otro lado unas manos humanas dibujan, esbozan un mundo imposible. ¡Qué difícil es representar la transparencia! Las figuras de cristal son como la lluvia que se desliza por el suelo formando riachuelos de vida y de color.

Zeman no está satisfecho con su trabajo, rasga el papel y vuelve a empezar su dibujo, trata de encontrar la perfección, la magia de la animación. Sí, tras la ventana está el propio director tratando de darle sentido a sus sueños. En su mente rezuma una idea imposible de representar, pero él insiste una y otra vez.

Las gotas de lluvia caen sobre el alféizar y desaparecen en la inmaterialidad de lluvia. Zeman es sólo un niño que juega, que reflexiona sobre el camino que va a seguir, medita, cierra los ojos, espera quizás que un milagro le sobrevenga del cielo como las abundantes gotas lechosas de lluvia que le tienen hipnotizado. 

El joven mantiene la mirada como si buceara en su interior. ¿Y si las gotas del cielo cobraran vida y se transformaran en figuras de cristal? Las posibilidades son infinitas, la lluvia no conduce a un mundo acuático donde todo es transparente, pero la luz no es igual en todas partes, la necesitamos para distinguir los colores, las formas, la vida interior de los elementos.

Todo lo que van a ver es sólo un sueño infantil, un cuento, una poesía, una inspiración. Las musas, si es que existen, seguro que se asemejan a estas imágenes. Vuelvan a su infancia, busquen su musa y déjense arrastrar por las gotas de lluvia. Adéntrense en las profundidades del sueño, allí todo será más tierno, más sutil, más bello, más inocente. No hay trampa, todo es transparencia, vida y color. 

No se pierdan este video, es absolutamente recomendable.

Karel Zeman estudió en Francia, y trabajó en Marsella en un estudio de publicidad. Su primera experiencia con el cine de animación fue un anuncio de sopa. Al regresar a Checoslovaquia, continuó trabajando en el mundo de la publicidad, para las compañías Bata y Tatra. El cineasta Elmar Klos, interesado por su obra, le ofreció un trabajo en sus estudios de animación de la ciudad de Zlín, que Zeman aceptó en 1943. En Zlín conoció a Hermína Týrlová, que por entonces acababa de producir el cortometraje Ferda Mravenec ("Fernando la hormiga"), un clásico del cine de animación infantil basado en un cuento de Ondřej Sekora). En colaboración con Týrlova, Zeman realizó la película Vánoční sen ("El sueño de Navidad", 1943), que en 1946 obtendría el premio a la mejor película de animación en el Festival de Cannes, lo que le proporcionó un gran prestigio. 

Su popularidad entre el público infantil aumentó cuando realizó una serie de cortometrajes humorísticos que tenían como protagonista a un personaje llamado Sr. Propouk, en torno a temas de la vida cotidiana: Propouk aparecía como oficinista, inventor, bombero, etc. 

En 1948 dirigió Inspirace ("Inspiración") en el que animó figurillas de vidrio; y en 1950 dirigió su primer largometraje, el satírico Král Lávra ("Rey Lávra", basado en un poema de Karel Havlíček Borovský). A éste seguiría, en 1952, Poklad ptaciho ostrova ("El tesoro de la isla de los pájaros"). En 1955 combinó actores reales, animación y efectos especiales en Cesta do pravěku ("Un viaje a la prehistoria", 1955), que cuenta el viaje en el tiempo de un grupo de estudiantes, permitiendo a Zeman animar varios muñecos de dinosaurios. La película tuvo un gran éxito. 

Cuatro años más tarde, en 1958, estrenó una de sus obras más destacadas, Vynález zkázy ("La invención diabólica", 1958), basada en una novela de Julio Verne. Más tarde volvería a adaptar a Verne en sus películas Na kometě ("En el cometa", 1970) y Ukradena vzducholod ("La nave robada"). En 1961 estrenó otro filme de género fantástico, Baron Prášil, basado en la novela de Göttfried Bürger Las aventuras del barón de Munchhausen, para el que utilizó decorados pintados al estilo de las ilustraciones de Gustave Doré ante los que deambulaban actores reales. 

Durante los años 70, rodó otras películas de tema fantástico para las que recuperó la animación tradicional, como Pohádky tisíce a jedné noci ("Cuentos de las mil y una noches"), que consta de siete relatos breves acerca de Simbad el Marino; Krabat, čarodějův učeň ("Krabat, el aprendiz de brujo", 1975); y el cuento de hadas de los Hermanos Grimm O Honzíkovi a Mařence ("Hansel y Gretel", 1980). 

Aunque sus películas están dirigidas principalmente al público infantil, posee un sofisticado ingenio, y un estilo visual que fascina igualmente a los adultos. Por su prodigiosa inventiva, se ha relacionado su obra con la de otros grandes innovadores del cine, como Georges Méliès. 

Cortometrajes de Karel Zeman
* ''Vánoční sen'' ("El sueño de Navidad", 1946)
* ''Podkova pro štěstí'' (1946)
* ''Křeček'' (1946)
* ''Pan Prokouk v pokušení'' (1947)
* ''Pan Prokouk ouřaduje''(1947)
* ''Brigády'' (1947)
* ''Pan Prokouk filmuje'' (1948)
* ''Pan Prokouk vynálezcem'' (1949)
* ''Inspirace''("Inspiración", 1949)
* ''Pan Prokouk, přítel zvířátek'' (1955)
* ''Dobrodružství námořníka Sindibáda'' (1971)
* ''Druhá cesta námořníka Sindibáda'' (1972)
* ''V zemi obrů. Třetí cesta námořníka Sindibáda'' (1973)
* ''Magnetová hora. Čtvrtá cesta námořníka Sindibáda'' (1973)
* ''Létající koberec. Pátá cesta námořníka Sindibáda'' (1973)
* ''Morský sultan'' (1974)

Pueden visionar esta joya en mi facebook en este enlace:
https://www.facebook.com/photo.php?v=3561892617606&set=vb.1581556320&type=3&theater

O bien desde Youtube:
https://www.youtube.com/watch?v=MqojLnKushs

 

TETE COUPEE

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"Next" de Barry Purves (1989)

Directed, written and animated by Barry Purves
Produced by Sara Mullock
Voice Roger Rees
Music Stuart Gordon

Corto realmente increíble y fascinante, que narra como un exigente Shakespeare (del cual he leído todas sus obras dramáticas como “Otelo”, o “Hamlet” pero del que recomiendo encarecidamente leer su poesía porque es ahí donde está el verdadero Shakespeare), busca al protagonista de su próxima obra de teatro en un casting peculiar realizado en un teatro al más puro estilo del siglo XVI. 

El problema es que no está satisfecho con ninguna de las personas que aspiran a ello: las despide con esa maldita palabra para un actor que es “¡Siguiente!”). Uno tras otro pasan frente a él hasta que, de repente, aparece un hombre que realiza una magnífica puesta en escena con la ayuda de un muñeco de trapo y utilizando elementos de algunas de las obras de Shakespeare como Otelo, la historia del pañuelo perdido de Desdémona, o Romeo y Julieta. Todo parece indicar que va a ser elegido, hasta que sucede algo que...

Bueno, mejor no sigo, véanlo ustedes mismos, no quiero ser como los malos críticos de ahora y fastidiarles el final.

¿Cómo era Shakespeare? En la foto siguiente tenía 46 años, se trata del único retrato realizado en vida del prolífico autor, el resto de imágenes conocidas del autor son simples copias de esta. Fue pintado en 1916, del artista nada se sabe, aunque el conservador de la Colección Cobbe, Mark Broch, explicó en su momento que es posible "que el pintor pusiera su nombre en el marco, pero éste ha desaparecido".

El retrato muestra un Shakespeare con perilla, sin pendiente en la oreja izquierda (adorno que sí aparece en otros retratos), y con una larga nariz, todo ello en un fondo azul sobre el que están inscritas en la parte superior las palabras 'Principum amicitias'.

El hecho de que esta imagen se hiciera en vida de Shakespeare, como parecen demostrar los exámenes realizados, hace que sea "más cercana a la realidad" que la del grabado Droeshout, publicado en 1623 y que hasta ahora había sido la que tradicionalmente se ha trasladado del autor, según han explicado los expertos.

¿Cruel, villano? Esa diabólica risa que le sale al final del corto, es una muestra de que no era un santo varón precisamente, pero eso ¿qué nos importa? Shakespeare es un pensador universal que comparte en sus obras las más elementales preocupaciones de la humanidad y busca resolverlas poéticamente.

En sus obras de teatro histórico, se puede apreciar la admirable capacidad de este genio para lograr la transubstanciación, adentrándose y poseyendo el alma de sus personajes, abandonando la propia ánima y trasladándose al tiempo, al lugar y al sentimiento de sus héroes y monstruos, tanto masculinos como femeninos. Él es Ricardo III, Othello, Lady Macbeth, y Bolingbroke. Él mismo es todos ellos y sus contrarios, él es Othello y Yago, es Romeo y es también Julieta, es el Príncipe de Dinamarca y es la muerte que acecha al doblar la esquina.

El corto contiene referencias al teatro isabelino (el teatro que más identifica a Shakespeare), elementos fantásticos, y una técnica la del stop-motion totalmente fabulosa y digna de admirar (usando muñecos, y no plastilina, como era habitual en Aardman). Es decir,  una gozada para los sentidos y un gran trabajo de Barry Purves, que recibió múltiples premios por esta película. 

El teatro isabelino (1558-1625) es una denominación que se refiere a las obras dramáticas escritas e interpretadas durante el reinado de Isabel I de Inglaterra (reina desde 1558 hasta-1603), y se asocia tradicionalmente a la William Shakespeare (1564-1616), enorme figura de la dramaturgia de los siglos XVI y XVII.

En realidad, los estudiosos extienden generalmente la era isabelina hasta el reinado de Jacobo I († 1625), hablándose entonces de "teatro jacobino". Algunos incluso la extienden más allá, incluyendo el reinado de su sucesor, Carlos I y hasta la clausura de los teatros londinenses en el año 1642 a causa de la llegada de la Guerra civil ("teatro carolino"). El hecho de que se prolongue más allá del reinado de Isabel I hace que el drama escrito entre la Reforma anglicana y la clausura de los teatros en 1642 se denomine teatro renacentista inglés.

Shakespeare le dedica a Jacobo I algunas de sus obras principales, escritas para celebrar el ascenso al trono del soberano, como por ejemplo: Otelo(1604), El rey Lear (1605), Macbeth (1606, homenaje a la dinastía Estuardo), y La tempestad (1611, que incluye, entre otros, una "mascarada", interludio musical en honor del rey que asistió a la primera representación.)

El período isabelino no coincide cronológicamente en su totalidad con el Renacimiento europeo y menos aún con el italiano, mostrando un fuerte acento manierista y barroco en sus elaboraciones más tardías.

VER AQUÍ:

MÁS INFORMACIÓN SOBRE EL DIRECTOR:

ACHILLES

Aquiles - Achilles de Barry Purves 1995

Ambientada en la guerra de Troya y a través de una animación perfecta, nos cuenta la historia sobre la relación entre dos personajes de la mitología griega: Aquiles, un gran guerrero troyano y su amante Patroclo, un joven soldado.

La voz que narra la historia es la del gran Derek Jacobi.

Con Aquiles el director trata de ir más allá en los límites de la animación. Retratar la sexualidad confusa de Aquiles era perfecto para sus intenciones de sobrepasar la animación obvia. No es posible hablar de Aquiles sin mencionar a Paris, Helena, Héctor. Agamenón y otros personajes de La Ilíada, pero se centra en la relación entre el protagonista que da título al corto y Patroclo. La relación física entre ellos es el foco de la película. La intimidad entre dos hombres no había sido tratada seriamente con marionetas y esta es fue la oportunidad para ello.

Es decir, erotismo entre muñecos anatómicamente completos, una visión profundamente moderna de las pulsiones homosexuales enterradas en el sustrato de la cultura homérica. El video es imprescindible, es uno de los mejores cortos que he visto. Abran la mente y déjense seducir por las imágenes.  

Las grietas en las marionetas y el verde intemperie refuerza la idea de que los personajes son como estatuas, aunque algunos puedan preguntarse si se trata de maquillaje.

Corto en stop-motion. Es una belleza, para frotarse los ojos. Con escenarios de teatro, tono de tragedia griega, personajes que parecen esculturas y pinturas de antes de Cristo en movimiento, mímica, animación perfecta, luces expresionistas, una "puesta en escena" sin comparación en el mundo de la animación, griegos, personajes mitológicos, erotismo entre hombres.

Barry Purves es uno de los animadores más importantes y más influyentes del Reino Unido (sus trabajos en Aardman son una absoluta maravilla, y toda una muestra de su gran imaginación). Su habilidad creando magníficos cortos usando la técnica del stop-motion, y para crear historias, le ha llevado a trabajar con gente como Tim Burton (Mars Attacks), o Peter Jackson (en el remake de King Kong).

Si encuentran otros trabajos del mismo director les recomiendo encarecidamente que no se los pierdan. En breve podrán visionar en este blog su último trabajo: Next: Un corto, realmente increíble y fascinante, que narra como un exigente Shakespeare (del cual he leído algunas obras como “Otelo”, o “Hamlet”), busca al protagonista de su próxima obra de teatro en un casting realizado en un teatro clásico.

Si lo quieren ver con subtítulos ha de ser en mi facebook (tendrás que ser amigo):
https://www.facebook.com/photo.php?v=3686162684280&set=vb.1581556320&type=3&theater

EL MISTERIO DEL ÁRBOL DE MI INFANCIA de Natalya Mirzoyan (2009)

Derevo Detstva

ДЕРЕВО ДЕТСТВА

Una fascinante historia que nos transporta al onírico y fantástico mundo de la niñez. Cierta noche, mientras el niño duerme le es arrebatado su osito de peluche; el pequeño deberá emprender una asombrosa aventura, a través del inmenso árbol de su infancia, en búsqueda de su desaparecido amigo.

Un brillante legado de la escuela de Norstein, elaborado por la joven artista rusa que, con veinticuatro años elaboró (dirección, guión y arte) una obra maestra de esta magnitud. Corto ganador del Festival Suzdal; Mejor ópera prima, el año 2009.

Animación pintada con pasteles sobre papel y animada por computadora. Una aventura surrealista hacia el fascinante y mágico mundo de los sueños, cuyo destino es "El árbol de la Infancia", el universo mágico de cada niño. El protagonista es un niño cuyo juguete favorito, un osito de peluche, es robado por las aves. Es el debut de la joven directora rusa Natalya Mirzoyan. Fue estrenada en la Berlinale de 2010.

Es muy hermoso. Ese rostro del niño dibujado con dulzura es toda una imagen que habla directo al corazón. El niño lee un cuento antes de que su madre a acostar. Por supuesto se lleva consigo su osito de peluche, fiel compañero de aventuras. ¿Quién es capaz de robarle su osito a un niño?

Una rama de luz blanca que llega hasta el techo, una escalera infinita que apunta al cielo. Debe subir por ella, el premio lo merece. Vértigo, molestos pajarracos, un enorme y magistral árbol en el que hay un agujero: es otro mundo, una casa en lo alto, el oso de trapo parece cobrar vida ya que se le escapa de las manos cuando cree haberlo encontrado.

En ese otro mundo todo es diferente, los niños juegan a la pelota y ríen felices. Pero la presencia del extranjero congela la imagen, enmudece el sonido, la vida, el color. Todo es diferente cuando él aparece como si únicamente fuera un mundo imaginario, una historia de cuento, de papel, de hojas que se pasan o que se las lleva el viento. Pero, ¿dónde?

Tendrán que ver el cuento hasta el final.

VER EN MI FACEBOOK:

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VER EN YOUTUBE (V.O Sub ing):

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Natalya Mirzoyan

EL SOL COMO NUNCA LO HAS VISTO

La imponente imagen de una eyección de masa coronal del Sol.

Lo que comúnmente se denomina tormenta o erupción solar. La imagen la ha capturado el telescopio Solar Dynamics Observatory (SDO) de la NASA, y muestra con profusión de detalles cómo una enorme cantidad de plasma magnético emerge desde la atmósfera del Sol en dirección a la Tierra. Fue el segundo evento espacial del día, pero no superó los 200.000 kilómetros de distancia, por lo que no alcanzó la Tierra.

"Este aumento del número de destellos son muy comunes en el momento, dado que la actividad del Sol se dirige hacia su máximo, que esperamos alcance a finales de 2013", afirma la NASA en un comunicado. El período llamado Actividad Máxima Solar se produce cada 11 años, y sus ondas pueden llegar a ser peligrosas si alcanzan la Tierra.

La eyección solar más fuerte del 2013 se produjo el pasado 11 de abril, un evento de tipo 'medio' por su intensidad. El evento de mayor intensidad, denominado 'clase X' puede resultar peligroso para las naves y astronautas en el espacio. También pueden interferir en las comunicaciones en la tierra y los sistemas de navegación por GPS.

La misión SDO fue lanzada al espacio en Febrero de 2010 con una serie de instrumentos capaces de observar el Sol durante 24 horas al día, 7 días a la semana. El telescopio espacial orbita alrededor de la Tierra a unos 36.000 kilómetros de ella, y envía hasta 1,5 terabytes de datos a la estación en Tierra, ubicada en Nuevo México.

La misión fue lanzada con la intención de estudiar nuestra estrella durante cinco años y tres meses, pero la NASA se plantea prolongarla hasta 10 años.

Fuente: ElMundo

Mr. Pascal de Alison de Vere (1979)

El señor Pascal es un viejo zapatero que, sentado a las puertas de una iglesia, recuerda su vida cuando era joven. De repente se percata de que a su lado hay un crucifijo clavado en la pared y, en un acto solidario que le sale de su viejo pero tierno corazón, decide liberar del martirio a la figura clavada en la cruz.
Esta valiente acción da paso a una festiva y trascendental liturgia llena de color y música, donde todos están invitados.

Título original:Mr Pascal
Año:1979
país:Reino Unido
Duración:7 min.
Director:Alison De Vere
Guión:Alison De Vere
Fotografía:Animation
Productora:Wyatt-Cattaneo
Reparto:Animation,


VER:
http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=guWz-YH_rCc

Esta obra, al igual que el posterior cortometraje "The Black Dog", presenta como rasgo esencial un constante manejo de elementos simbólicos religiosos. En el caso de este cortometraje la autora decide destruir esa imágen oficial de un Cristo mártir y sufriente, y sin duda es una fuerte crítica al arquetipo cristiano propagado por ciertas instituciones eclesiáticas. Film ganador del Annecy grand Prix del año 1979 y nominado al mejor cortometraje en los Premios BAFTA del mismo año. 

El cuento es maravilloso, simplemente bello, te atrapa desde el primer fotograma. El mensaje que lleva implícito es del tal magnitud y es tan revelador que todos nos sentimos identificados con el protagonista. 

La directora es una persona que posee una mente resurrecta, una persona que ha trascendido la locura de la cruz y que ha dejado a un lado la arcana y herrada enseñanza que se ha inculcado acerca de la vieja y rugosa cruz del dolor y del martirio.

Alison de Vere (1927-2001) nació en Pakistán y es una de las autoras más representativas de la animación moderna. Se inició en la animación en el lejano año ´51, siendo uno de sus momentos más memorables, el haber plasmado su trabajo en la película Yellow Submarine (con música de los Beatles).

La directora empezó trabajando para Paul Grimault en The King and Mr. Bird. Durante los años 50 colaboró en estudios británicos como Halas & Batchelor, Trickfilm o Wayatt-Cattaneo, aunque sin duda alguna su trabajo más memorable fue la película (con música de los Beatles) Yellow Submarine (George Dunning, 1968), de la TVC, en paralelo, a sus películas como autora. Alison de Vere fue la supervisora de fondos en Yellow Submarine (la mejor intérprete de las ilustraciones y arte de Heinz, según Charlie Jenkins), también creadora de Eleanor Rigby, la chica solitaria que aparece al inicio de la secuencia musical especial de Charlie Jenkins, donde se combina la imagen real con fotografía y animación. Tras la experiencia de Yellow Submarine, Alison de Vere fundó su propia productora desde donde realizó títulos que han obtenido premios en festivales especializados de todo el mundo. Su filmografía incluye películas en dibujos animados, como Café Bar (1974), en la que se exploran pensamientos e imágenes acerca de las relaciones entre los dos sexos, Monsieur Pascal, también ganadora en 1979 del Grand Prix d’Annecy, el largometraje Silas Marner (1984), en el que adapta una novela de George Elliot captando la esencia del periodo. Ese mismo año realizó The Angel and the Soldier Boy y en 1987, la que ella consideró como su obra más importante, The Black Dog, un filme personal y profundo sobre el recorrido onírico de una mujer, guiada misteriosamente por un perro negro que recuerda una efigie egipcia. Tras esta película firma Eros & Psyche (1994), versión lírica del mito griego, mientras que en 1996 completa Mouse and Mole."

Entre sus trabajos destacan Café Bar (1974), Silas Mamer y The Angel and the Soldier Boy (1984), The Black Dog (1987) considerada por ella como su obra más importante, Eros & Psyche (1994) y Mouse and Mole (1996).

VER EN MI FACEBOOK:
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L'italiana in Algeri.Luzzati&Gianin-1968

Corto de animación italiano. Visualmente es magnífico, cada fotograma es una postal. Sencillo, delicado, divertido, es como un cuento de Las Mil y una Noches. 

Espero que os guste.

VER:
http://www.youtube.com/watch?v=3E_3Mk1Sp0s

Emanuele Luzzati es quizá una de las principales figuras del arte italiano de la posguerra. Nacido en Génova en 1921, su trabajo ha encompasado los más diversos tipos de manifestación artística. Es pintor, ceramista, decorador, ilustrador (entre las obras ilustradas citamos el Pinocchio de Carlo Collodi, El Visconde Partido al Medio, de Italo Calvino y el Cándido de Voltaire), escenógrafo teatral (realizó más de 400 escenografias para espectáculos en Italia y en el exterior) y, a partir de los años 60, junto a Giulio Gianini, se dedicó al cine de animación.

El cine de animación tiene una larga historia de colaboración con el teatro. Varios cineastas de animación se han dedicado también al arte teatral, sea a través de la creación de escenografías, sea por el uso de obras teatrales o elementos escenográficos del teatro como inspiración para films. Jiri Trnka, importante director checoslovaco de animación con muñecos, antes del trabajo propiamente cinematográfico se dedicó al teatro, creando marionetas para espectáculos. Jan Svankmajer trabajó en el teatro de Praga, y utiliza no pocos elementos de escenografía teatral en sus films. Pero tal vez el caso de Luzzati es uno de los ejemplos más exitosos de colaboración entre teatro y cine, ya que para él se tratan de actividades de cierta forma complementares. En una entrevista sobre su trabajo con el teatro de sombras, afirmó:

En mi trabajo las cosas más importantes son el teatro y el cine de animación. Con respecto a estos dos polos, la sombra está en medio. Si yo hubiera hecho solo teatro no creo que habría comprendido inmediatamente las posibilidades de la sombra, pero al venir del cine de animación hecho con la técnica del “découpage” me resultó mucho más fácil entrar en sintonía con la sombra. Cuando me habéis pedido para colaborar 

en la realización de un espectáculo de siluetas, pensé que sería como unir el teatro y el cine de animación con un tercer lenguaje. Para mí era muy interesante, pues veía tres aspectos diversos de la misma manera de exprimirse. Mientras la ilustración, la cerámica u otros trabajos que hago son fijas, estas tres situaciones expresivas están en movimiento. Pero si el cine de animación es el color en movimiento y en el teatro está el contacto directo con el público, el teatro de sombras es una vía intermediaria 

porque está el contacto con el público pero también tiene las figuras en movimiento.

La italiana en Argelia (L’ italiana in Algeri, 10’), de 1968, fue el segundo film de los dos autores basado en la música de Rossini. Completa la trilogía rossiniana Pulcinella (12’, 1973), que también utiliza la música de Rossini (abertura de Il turco in Italia). Es quizás uno de los trabajos más acertados de Gianini y Luzzati. Además del perfecto acompañamiento que las imágenes hacen a la música, aquí hay también la lograda creación de un personaje humano vivaz y una breve historia de gran empatía con el espectador (Fig. 3). Para Gianni Rondolino, “Rica de momentos no solo humorísticos sino también patéticos y melancólicos, Pulcinella es ciertamente la obra más completa y original de los dos autores italianos”.

Además, en este filmlas referencias al mundo del teatro está presente todo el tiempo, desde el propio protagonista Pulcinella (personaje clásico de la Commedia dell’Arte), a los varios elementos teatrales utilizados en el film. Por ejemplo, en la escena del sueño de Pulcinella, el techo de la casa sobre el cual él se refugia se transforma en un palco de teatro: las cortinas se abren y vemos entonces el proprio Pulcinella que baila en el escenario, observado por los espectadores: el teatro replicado dentro del cine.

En líneas generales el film cuenta la tentativa de fuga de Pulcinella, que sólo desearía dormir, pero es perseguido (en la realidad y en el sueño) por figuras represivas — representadas, en el ambiente doméstico, por su mujer (que lo despierta y lo manda a trabajar), y fuera de la casa por los soldados que lo persiguen por haber “atentado” contra un monumento público. Al final del film, Pulcinella evade sus perseguidores, y consigue volver a su cama para dormir – y soñar. Ese aspecto libertario y humanístico de la temática ha sido resaltado por el célebre director de cine Federico Fellini, que en carta a los autores ha escrito:

He visto el vuestro “Pulcinella”. Bien, recordaréis cuánto me gustó “La gazza ladra”, cuánto admiré la fantasía figurativa, la creatividad humorística, el sentido de la fábula y las geniales soluciones gráficas del vuestro trabajo; no creía que hubierais podido hacer mejor. Con placer les digo que, al contrario, lo habéis logrado.

“Pulcinella” es más bello, tiene algo a más, y este “algo más” es precioso y pertenece a la poesia porque se refiere a un sentimento que en el otro trabajo me parecía menos evidente, y es el sentimiento de lo humano, del sufrimiento, de la necesidad insuprimible de la justicia. Vuestro Pulcinella, aun respetando la tradición de la máscara napolitana que lo pretende un clown fantasioso y canallesco, surreal y inmerso en los problemas de la supervivencia animalesca, cuenta sobretodo el drama grotesco y conmovedor de un hombre que quiere con toda su fuerzas ser libre.

Tomás Enrique Creus

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